Back to top

От автора

Занимаюсь акварельной живописью с двенадцати лет. И несмотря на то, что впоследствии много и охотно писал маслом, гуашью и даже темперой, отдаю предпочтение акварельным краскам. Ни в коей мере не умоляя достоинств других видов живописи, считаю, что ученик, хорошо овладевший акварелью, легче осваивает другие живописные материалы.

Для меня в акварельных работах, в коробочке с акварельными красками всегда есть что-то таинственно-притягательное. Видимо, сказались определенные обстоятельства, при которых состоялось мое знакомство с акварелью. Это и подаренные в детстве старшей сестрой акварельные краски в деревянной коробочке, и мой первый учитель рисования в общеобразовательной школе А.Н. Букинич — старый русский интеллигент, и мои преподаватели акварельной живописи в Московской средней художественной школе при институте им. В.И. Сурикова: А.П. Сергеева — представительница русской акварельной школы, ученица Валентна Серова и Константина Коровина, А.И. Балашова — талантливый педагог более позднего поколения, и наконец знакомство с акварелями великого Врубеля в Третьяковской галерее в конце 1956 года. Все это сформировало на всю жизнь мое особое отношение к акварельной живописи.

Принято считать, особенно в последние десятилетия, что настоящая акварельная живопись — это живопись практически однослойная, написанная, как правило, по сырой поверхности бумаги за один сеанс. И действительно, акварельная краска — краска водяная, прозрачная, в чем ее особый смысл, красота и отличие от других живописных материалов. Становится понятным стремление художников, работающих к технике акварели, к идеалу текучести. Вспомним некоторые акварельные работы К. А. Сомова пли известный автопортрет В. А. Серова 1901 года с папироской во рту, написанный, правда, акварелью в сочетании с гуашью, но в чисто акварельной текучей манере.

В. А. Серов. Автопортрет. 1901
В. А. Серов. Автопортрет. 1901
К. А. Сомов. Радуга. 1908
К. А. Сомов. Радуга. 1908
 

Начиная с 60-х годов XX века однослойная акварель, или как ее еще называют alla prima, начинает занимать господствующее положение. Ее удивительные возможности показали художники России, Прибалтики, особенно Литвы, стран Западной Европы. При этом камерные возможности акварели расширили свои рамки как в прямом, так и в переносном смысле. С одной стороны, увеличение размеров работ, с другой — появление новых технических приемов, когда случайное, соединяясь с управляемыми процессами и чаще всего доминируя над ними, придавали работам особое цветовое и смысловое звучание. Все это было, безусловно, интересно, но не надо забывать, что возможности акварели только этим не исчерпываются — они гораздо шире.

Здесь уместно, на мой взгляд, привести два высказывания о работе с акварелью. Одно принадлежит замечательному мастеру акварельной живописи А. П. Остроумовой-Лебедевой. Вот что она пишет в своих «Автобиографических записках»: «...акварелью нельзя долго и упорно вырабатывать картину ввиду быстрой утомляемости бумаги...<...> Красота и привлекательность акварельной живописи заключается в легкости и стремительности мазка, в быстром беге кисти, в прозрачности и яркости красок. Акварелью не подходит работать спокойно, методично, не торопясь — это для нее не характерно» (Цит. по кн.: Акварель. Советы начинающим. M., 1991. С. 32.). А вот высказывание М. А. Врубеля, который был блестящим акварелистом: «Подталкиваемый действительно удачно, прелестно скомпонованным мотивом модели, <...> я прильнул, если можно так выразиться, к работе; переделывал по десяти раз одно и то же место, и вот с неделю тому назад вышел первый живой кусок, который меня привел в восторг...» (Врубель. Переписка. Воспоминания о художнике. Л., 1976. С. 43.). Так писал Врубель в письме к своей сестре о работе акварелью над «Натурщицей в обстановке Ренессанса». Или, говоря о совсем маленьком акварельном портрете старушки Кнорре, он сообщает своей сестре: «...работа четырехмесячная аккуратно часа по 3-4 в сутки» (Врубель. Переписка. Воспоминания о художнике. Л., 1976. С. 44.). На первый взгляд, приведенные высказывания исключают друг друга, но это только на первый взгляд. Они говорят прежде всего о том, что возможности акварельной живописи необычайно широки.

Мне посчастливилось увидеть большое количество акварельных работ, принадлежащих мастерам разных времен. Это — классическая английская, русская, испанская, американская акварель, а также замечательные работы советских художников. Сколько школ, направлений, сколько ярких индивидуальностей! И все это можно отнести по большей части к акварели многослойной. Здесь нужно отметить, что в акварельной живописи уже давно существуют два больших направления — однослойная и многослойная акварель. Различия между ними носят порой условный характер, поскольку приемы того и другого вида акварели часто проникают друг в друга. В данном случае на лицо наличие основного свойства акварельных красок — их прозрачности, сохранить которую в многослойной акварельной живописи намного сложнее, чем в однослойной.

Как правило, каждый художник-акварелист по мере приобретения опыта работы с акварелью выбирает наиболее близкое ему направление в акварельной живописи, используя свои изобразительные приемы, которые становятся собственностью художника, определяя его индивидуальность. Но есть мастера, достижения которых в акварельной живописи были столь значительны, что становились достоянием других художников, оказывая влияние на их работы и способствуя становлению индивидуальности. Таким образом, создавались целые направления и школы в акварельной живописи. Вот пример: акварели известного испанца Мариано Фортуни, которыми восхищались такие русские художники, как П. П. Чистяков и И. Е. Репин, вдохновили М. А. Врубеля на создание удивительнейших акварелей, своеобразных миниатюрных шедевров, а акварельные работы Врубеля в свою очередь оказали огромное влияние как на его современников, так и на формирование творчества многих ярких художников-акварелистов советского времени. В этом просматривается естественный процесс обогащения акварельной живописи.

Нет необходимости доказывать, что современный художник-акварелист может, а скорее всего должен опираться на опыт прошлого, который может быть полезен не только с точки зрения ознакомления с лучшими работами и техникой живописи мастеров, но также поможет ему на основе полученных знаний найти свой путь в акварельной живописи. Особенно это важно для учащейся молодежи, для подготовки последующих поколений художников-акварелистов.

Задача данного пособия и заключается в том, чтобы ознакомить учащихся детских художественных школ и изостудий с основными способами акварельной живописи, которые достались нам от мастеров прошлого. Пособие предназначено для учащихся старших классов, имеющих определенные, пусть даже небольшие, навыки в работе с акварельными красками.

Предлагаемая работа сформировалась на основе трех источников. Во-первых, это — акварельные работы различных мастеров, которые мне довелось увидеть во многих музеях и выставочных залах как в нашей стране, так и за рубежом, а также всевозможные иллюстративные материалы: книги, альбомы, отдельные репродукции, фотографии и т. д. Во-вторых, это — различные литературные источники: воспоминания художников, их письма, воспоминания о художниках их современников, книги по искусству, искусствоведческие исследования, статьи, учебные пособия. И в-третьих, это — знания, полученные во время обучения в художественной школе, а затем в институте в сочетании с моим личным опытом художника, много лет работающего в технике акварельной живописи.

Не останавливаясь подробно на материалах акварельной живописи, тем не менее хочу коснуться некоторых моментов.

В данном пособии речь пойдет об акварели «чистой», т. е. без применения белил. Акварельные работы могут выполняться как на специальной плотной бумаге белого цвета, хорошо проклеенной, с ярко выраженной фактурой, так и на бумаге других сортов без жировой пленки, которые помогают художнику максимально выразить ту или иную идею (задачу). При этом лучше всего работать на листе бумаги, натянутом на планшет.

Кисти рекомендуются круглые, как правило, беличьи, но хорошо также использовать кисти из ушного волоса, колонковые, барсучьи. Они обладают большей упругостью, что бывает необходимо в работе. На мой взгляд, лучше всего сочетание кистей нескольких видов. Иногда (в последнее время особенно часто) акварелисты с успехом используют и плоские кисти, которые, по-видимому, имеют право на существование, хотя мне кажется, что традиционная круглая кисть больше подходит к особенностям акварельной живописи.

Что касается палитры, то могу с уверенностью сказать, что являюсь противником кусков бумаги в качестве палитры, активно рекомендуемых некоторыми преподавателями не только художественных школ и училищ, но и вузов. Дело в том, на мой взгляд, что все самые лучшие качества красящего вещества акварельных красок, вся так называемая живопись, остается на бумажных палитрах, а на работу переходят бледные остатки цвета.

Говоря о красках, могу отметить, что из всех акварельных красок, которыми мне пришлось пользоваться, а это была французская, английская, немецкая, австрийская, японская, китайская, американская акварель, отдаю предпочтение отечественному набору «Ленинград №1», состоящему из 24 цветов. Эти краски имеют высокое качество и удобны в использовании.

Но прежде чем перейти к описанию отдельных способов акварельной живописи, хочу напомнить об основных технических приемах, которыми пользовались и пользуются художники-акварелисты. Они будут встречаться в тексте при ознакомлении с этими способами.

  1. Большие, широкие заливки, наносимые кистью большого размера часто по увлажненной поверхности бумаги с плавным переходом, где необходимо, одного цвета в другой. Чаще всего используются при изображении неба и воды.
  2. Всевозможные по размеру заливки-лужицы, наносимые на сухую поверхность бумаги, изображающие отдельные цветовые плоскости. Могут состоять как из одного цветового тона, так и нескольких оттенков, плавно переходящих друг в друга.
  3. Мазки, наносимые в разных направлениях, в одних случаях мягкие, с размытыми краями, когда бумага влажная, в других — резкие, возможно со срывом на конце, придающие изображению определенную динамику и графическую выразительность.
  4. Всевозможные точки (так любимые М. А. Врубелем и вызывавшие недоумение у почтенных обывателей), штрихи, выполняемые тонкой кистью по форме предмета, наподобие карандашных штрихов или перовых тушью, так часто используемые для лепки формы цветом в портретах XIX века. Применяются также при заполнении мелких промежутков бумаги между цветовыми пятнами и для усложнения или усиления цветового тона на определенном участке изображения, т. е. для корректировки.
  5. Смывания и размывки губкой или кистью, проскребывания стальным ножичком, протирки ластиком. И хотя эти приемы могут выглядеть очень странно для современного акварелиста, тем не менее они применимы в акварельной живописи (достаточно посмотреть акварели И. Н. Крамского и Ф. А. Васильева).

В заключение следует добавить, что пособие проиллюстрировано акварелями как выдающихся мастеров русского, зарубежного искусства, художников советского периода, так и учебными работами учащихся Детской художественной школы и изостудии города Троицка, а также акварелями автора.

Теперь мы можем перейти к знакомству с отдельными способами работы акварелью. Названия некоторых способов придуманы автором и носят несколько условный характер. Рассмотрим вначале несколько способов однослойной живописи. Их определилось пять.